En 1978 cuatro amigos de Upsland Vasvy (Suecia) forman un grupo para entretenerse en las tardes lluviosas tocando versiones de Black Sabbath y Deep Purple. El grupo se llamaría Force. Los cuatro amigos eran Joakim Larson, que se encargaba de la voz y los teclados, el guitarrista John Norum, Peter Olsson (bajo) y el batería Tony Reno.
Tras ver que sus posibilidades como grupo crecían según ensayaban, deciden componer temas propios y empiezan a enviar demos a las compañías discográficas, que rechazan repetidamente las canciones. Lejos de desmoralizarse, el grupo se afana en mejorar sus composiciones y técnica. Peter Olsson acaba tirando la toalla y es sustituido por John Leven, amigo de Joakim. El grupo sigue con sus ensayos, desapareciendo brevemente de la formación Leven, que es tentado por la oferta del entonces desconocido Ingwie Malmsteen, que le ofrece un puesto en su banda. Leven no tardaría en regresar a Force debido a la actitud dictatorial de Malsteem. Con esta formación se graban tres temas (Seven Doors Hotel, The King Will Return y Memories) en una demo que la novia de Joakim, sin el consentimiento de éste, envía a Lucia Rock, un concurso de grupos de rock. Force es preseleccionada y acaba ganando el concurso, al que se habían presentado dos mil grupos. Además John Norum es elegido mejor guitarrista y Joakim, que había cambiado su nombre durante el concurso a Joey Tempest, mejor cantante. En este momento, y justo antes de grabar el primer disco (el premio del concurso era la grabación de un disco) se cambia el nombre del grupo a Europe. El LP homónimo se edita únicamente en Suecia y Japón, consiguiendo buenas ventas, sobre todo en tierras niponas. El single Seven Doors Hotel se hace increiblemente popular y vende multitud de copias. Tras girar por su tierra el grupo decide que es el momento de grabar el segundo disco y aprovechar el tirón. "Wings Of Tomorrow" se publica en 1984 y supone una evolución con respecto al primer release, conteniendo solos de guitarra más complejos, más variedad en cuanto a efectos de guitarra y mayor presencia de los teclados. Precisamente por la necesidad de Joey de tener más libertad en el escenario se contratan los servicios de un teclista (Mic Michaeli, procedente de Avalon), que se incorpora durante la gira. También durante el Wings Of Tomorrow Tour se despide a Tony Reno, cuyo desinterés por el grupo se venía haciendo patente desde tiempo atrás. Su susitituto será Ian Haughland, que anteriormente militaba en Trilogy, una de las bandas que Europe derrotó en Lucia Rock. Se extren como sencillos del disco "Open Your Heart", "Lyin' Eyes", "Stormwind" y la preciosa balada "Dreamer". Al igual que en el primer plástico, el disco incluye un tema instrumental a cuenta del genial John Norum. Llegamos a 1986, el año en que todo sucede. El tercer LP de Europe se publica este año rompiendo todos los esquemas posibles. El tema elegido como primer sencillo, "The Final Countdown", se convierte en número 1 en 26 países y es radiado hasta la saciedad, siendo el vídeo de la canción una presencia constante durante todo ese año en las televisiones americanas y europeas. Posteriormente llegarían "Rock The Night" y la impresionante balada Carrie, todas extraídas de un album en el que los teclados empezaban a ganar protagonismo, hasta el punto de enterrar a la guitarrarítmica en la mezcla final, como sucedía en varias ocasiones. Esta fue una de las razones, junto con desavenencias con Joey Tempest para que John Norum abandonara la nave en noviembre de 1986, en plena gira. Su sustituto sería Kee Marcello, un músico sueco de reconocida competencia. Marcello terminaría la gira y grabaría los dos siguientes discos de estudio de la banda "Out Of This World" de 1988 y "Prisoners In Paradise" de 1991. El primero continuaba la línea de sus predecesor, si bien su sonido era algo más suave, y el segundo se acercaba más al hair rock californiano, sonando en determinados pasajes como Warrant o Cinderella. No en vano el grupo llevaba tres años viviendo en Estados Unidos, y las raíces del metal europeo que les vieron surgir como banda empezaban a desdibujarse. Cada LP contó con sus respectiva gira, ambas exitosas y largas y productoras de suculentos dividendos. Para 1992, cuando terminó la gira de Prisoners, Joey Tempest afirmó que Europe se acababa. Las razones aducidas eran el cansancio creativo y la pujanza, cada vez más fuerte del grunge, que no dejaba sitio para el hard rock melódico de Europe. Sobreviene entonces un período de varios años en los que los músicos se dedican a proyectos personales (la mayoría de ellos de discreta aceptación). En diciembre de 1999 se les pide que toquen The Final.Countdown en el cambio de milenio, accediendo todos y .juntándose sobre un escenario por primera vez en 7 años.
En noviembre de 2003 se convoca una rueda de prensa en la que se informa de que Europe se encuentra componiendo nuevos temas, que serán grabados a principios de año con vistas a la publicación de un nuevo disco y la celebración de la corrspondiente gira. El album "Start From The Dark" se publica en 2004 mostrando un sonido actualizado a los nuevos tiempos, y unas nuevas composiciones más que aceptables. Europe resurge de sus cenizas. La gira es un éxito y demuestra el predicamento que aún siguen teniendo los suecos en el mundo. Para el año que viene (2007) se anuncia nuevo disco de Europe.
Héroes Del Silencio tiene su origen en Zaragoza en el año 1984. En aquella época sus componentes eran Enrique Ortiz De Landázuri (que poco después cambiaría su nombre a Enrique Bunbury), Joaquín Cardiel Jericó, Pedro Valdivia Navarro y Pedro Andreu Lapiedra.
En el año 85 se produce la reestructuración definitiva del grupo saliendo Pedro Valdivia, que deseaba continuar sus estudios de medicina, y entrando en su lugar su hermano Juan, dando origen a la formación definitiva. Enrique se encargaba de la voz, Juan de la guitarra, Joaquín del bajo y Pedro de la batería. Todos ellos eran músicos que se habían curtido en grupos anteriores, siendo los más destacables Zumo De Vidrio, Proceso Entrópico y Tres De Ellos. En aquel momento Bunbury se dedicaba tanto a Héroes como a Niños Del Brasil, banda que abandonaría para centrarse en Heroes Del Silencio a partir de 1988. En Niños Del Brasil y gracias a la ayuda de Santi Rex, Bunbury alcanzaría su imagen y maneras definitivas, pasando de llevar unas "pintas" anodinas a otras muy estudiadas. Sus intereses musicales en este momento se centran en el rock gótico y el tecno pop inglés, tratando de imitar a grupos del rollo de Bauhaus, Joy Division o Depeche Mode. Como veremos posteriormente el sonido del grupo evolucionará poco a poco hasta distanciarse notablemente de estas influencias, al contrario que Niños Del Brasil, que siguieron fieles a ese estilo musical, lo que los convirtió en un grupo de culto minoritario en España y con unas ventas escasas. Tras patearse Zaragoza defendiendo sus temas (con una letras alambicadas y extrañas compuestas por Bunbury y que nadie entiende), reciben el apoyo de Cachi, locutor de una popular radio zaragozana que se entusiasma con ellos y les consigue actuaciones.
En el año 87 dan un concierto en la sala En Bruto, y entre el público se encuentra Gustavo Montesano, guitarrista de Olé Olé que había acudido a presenciar la actuación persuadido por Cachi. Montesano queda impresionado por la garra del cuarteto y les ofrece firmar un contrato discográfico. Montesano representa a EMI, y la política de esta multinacional se basa en lanzar primero un EP para sondear el mercado, y si el número de copias vendidas llega a un determinado nivel, la compañía se arriesga al lanzamiento de una álbum. El EP "Héroe De Leyenda" se edita en agosto de 1987 teniendo un tremendo éxito y superando con creces las expectativas de EMI. La compañía da luz verde para la grabación del LP. La Grabación de "El Mar No Cesa" se inicia a principios de 1988 en Madrid, y recoge todos los temas que el grupo llevaba rodando los años anteriores por los garitos de Zaragoza, con excepción de algunos que se descartan por su falta de consistencia. Los Héroes ponen toda la carne en el asador, pero el disco no sale como ellos quieren. A la bisoñez del combo hay que añadir que el productor les viene impuesto, y no es otro que el ínclito Gustavo Montesano,que acostumbrado a su grupo Olé Olé, realiza un disco blando, lineal, sin fuerza, con exceso de teclados y que no consigue plasmar toda la fuerza del grupo en directo. A pesar de este descontento por parte de la banda el disco funciona bien, contiene buenas canciones que con el paso del tiempo se convertirán en clásicos (Mar Adentro, Hace Tiempo, Héroe De Leyenda) y les permite aparecer en televisión, girar por toda España y, en definitiva, acrecentar su popularidad. Precisamente en esta gira el grupo tiene la oportunidad de desquitarse con el mal sabor de boca que les ha dejado el disco, y graban un mini LP en directo, de tirada limitadísima, en el que se muestra realmente la fuerza de Héroes en directo. El mini LP se titulará "En Directo", y tendrá una enorme aceptación, agotándose rápidamente y convirtiéndose en pieza de coleccionismo. (Hoy en día se pagan fortunas por una copia del mismo).
Llegamos a 1990. Tras girar todo el año 89 el grupo se encierra en los estudios Kirios de Madrid a grabar su segundo LP bajo la dirección de Phil Manzanera, ex guitarrista de Roxy Music, que se interesa por la banda tras presenciar una actuación suya en Calatayud. Los nuevos temas, muchos de los cuales se habían rodado en la gira anterior, muestran una madurez compositiva e interpretativa evidentes y se acercan mucho más al concepto de rock que el anterior trabajo. La mano de Manzanera se deja sentir en todo momento, las guitarras y el bajo son grabadas con sonido ambiental y se eliminan los reverbs y los teclados del primer disco, consiguiéndose una atmósfera más densa y oscura, y obteniéndose el genuino "sonido Héroes". Del disco se extraen como sencillos "Entre Dos Tierras", "Maldito Duende", "Con Nombre De Guerra", "Oración" y "Despertar", todas ellas hoy piezas clásicas del rock en castellano. La correspondiente gira les encumbra como auténticas estrellas en España, y de nuevo se edita otro LP en directo. "Senda 91" recoge la actuación del grupo en septiembre de 1991 en la localidad madrileña de Las Rozas, y de nuevo se agota y se convierte en objeto de coleccionista. En este momento el grupo (sin demasiado apoyo por parte de la compañía) decide que es el momento de abrirse a nuevos mercados, y se lanzan a la conquista de Europa, actuando en salas muy pequeñas (en España llenaban arenas) y obteniendo muy pocos beneficios, pero poniendo la semilla de un éxito internacional que no se hará esperar. Para 1993 Héroes Del Silencio es la banda española más internacional, teniendo importantes ventas y fanáticos seguidores en Italia, Alemania y Francia.
En 1993 se publica "El Espíritu Del Vino", tercer álbum de estudio de la banda maña. Este disco adolece de un defecto, en parte, comprensible. Tras el desaforado éxito del grupo, estos deciden "rizar el rizo", y como muchas veces sucede la jugada sale mal. El proyecto es demasiado ambicioso, con guitaras triplicadas, multitud de referencias a músicas árabes y orientales, letras demasiado pretenciosas... Da la impresión de que el grupo ha escuchado demasiado a Led Zeppelin, y no han sabido digerirlo... A pesar de la grandilocuencia, densidad y megalomanía el plástico también contiene excelentes temas, como "La Herida", "Nuestros Nombres", "El Camino Del Exceso", "Flor De Loto"... La gira correspondiente les abre las puertas de Hispanoamérica, y les permite tocar en importantes festivales europeos, como el Rock Am Ring, en el que se codean con bandas de la talla de Aerosmith. El fiasco del "Espíritu Del Vino" es únicamente a nivel creativo, ya que las ventas continua siendo satisfactorias.
Tras finalizar la gira el grupo se disgrega temporalmente y todos se toman vacaciones. Se vuelven a reunir a principios del 95 en Benasque (Huesca), para componer los temas de sus cuarto LP, que se grabará el verano de ese año en Los Ángeles bajo la producción del solvente y reputado Bob Ezrin, famoso por sus trabajos con Alice Cooper, entre otros. "Avalancha" se publicará en octubre de 1995 siendo el álbum definitivo de Héroes Del Silencio, y conteniendo impresionantes canciones como "Iberia Sumergida", el tema que da nombre al disco, "La Chispa Adecuada", "Rueda, Fortuna!"... El plástico no tiene desperdicio, y es aclamado por crítica y público como el mejor disco de Héroes Del Silencio. Con actuaciones de la subsiguiente gira en Madrid y Zaragoza se edita "Parasiempre", tercer disco en directo del grupo, pero esta vez de amplia tirada...
En septiembre de 1996 el grupo comparece en rueda de prensa para decir que Héroes se separa temporalmente. Con el paso del tiempo la separación se convertirá en definitiva, y sólo se obsequiará a los fans con algún disco de rarezas o un lanzamiento en DVD con un par de sus conciertos, pero en ningún momento material nuevo. Las razones aducidas por los miembros en entrevistas posteriores hablarán de tensiones dentro del grupo en cuanto a composición de nuevos temas y discrepancias estilísticas.
El 14 de febrero de 2007, veinte años después de sus primeras grabaciones y diez desde su separación, Héroes del ilencio anunció su vuelta a los escenarios con la Héroes del Silencio Tour 2007, gira con la que se presentarán en uatemala, Buenos Aires, Ciudad de México, Los Ángeles, Sevilla, Zaragoza y Cheste (Valencia) dando únicamente 10 conciertos.
Para llevar a cabo esta gira, el grupo cuenta con el patrocinio De empresas tanto públicas como privadas, entre las que se Incluye la Expo Zaragoza 2008, el Real Zaragoza y el Ayuntamiento de la misma ciudad, donde ofrecerán dos Conciertos en el estadio de La Romareda los días 10 y 12 de Octubre de 2007.
Las entradas se vendieron en tiempo récord para los Conciertos de Sevilla, Zaragoza y México. En menos de 24 Horas desde su puesta a la venta, se vendieron todas ellas.
La novedad de este Tour es que no estará el quinto "héroe", el guitarrista Alan Boguslavsky, sino el guitarrista Gonzalo Valdivia, hermano de Juan Valdivia, más conocido en la música aragonesa como "El Alquimista".
A los 4 años, John Kay (fundador de la banda), después de haber escapado con su madre de Prusia, huyó de Alemania Oriental a Alemania Occidental (lo que cantó en los temas "Renegade" de Steppenwolf 7 y "The Wall" de Rise and Shine), y se instaló con su familia en Hanóver. Emigró a Canadá en 1958.
Steppenwolf tiene sus orígenes en la banda de blues de Toronto Sparrow, formada en 1964 y que tocaba en cafés del barrio de Yorkville. En 1967 la banda se estableció en San Francisco (California, Estados Unidos), donde comenzaron a tocar música folk. Fue el productor Gabriel Mekler, de la discográfica Dunhill Records (Los Angeles) el que les propuso endurecer su sonido, lo que les terminó acercando al hard rock y convirtiéndoles, ya como Steppenwolf, en pioneros del heavy metal junto a grupos como Led Zeppelin , Black Sabbath o Rainbow. De hecho, el término "heavy metal" se obtuvo de unos versos de la canción "Born to be wild". Su formación original fue la de John Kay (voz y guitarra), Jerry Edmonton (batería), Michael Monarch (guitarra), Goldie McJohn (teclados) y Rushton Moreve (bajo).
En 1968, Nick St. Nicholas, que ya había tocado con Sparrow, sustituye a Rushton Moreve al bajo. Su tercer single, "Born to be wild", les catapultó a la fama al ser incluida en la película Easy Rider. La canción fue escrita por Mars Bonfire (Dennis Edmonton), antiguo miembro de Sparrow y hermano de Jerry.
El éxito continuó con canciones como "Magic Carpet Ride" de Steppenwolf the Second (1968) y "Rock Me" de At Your Birthday Party (1969). en 1970, en pleno éxito, publicaron el que, para muchos fans de la banda, es su mejor disco: el doble LP Steppenwolf Live. El disco se editó entre Monster (1969) y Steppenwolf 7 (1970), los álbumes más politizados de la banda, en los que criticaron la política estadounidense de la era Nixon.
La banda se separó en 1971, después de la publicación del también político For Ladies Only, iniciando John Kay su carrera en solitario, junto a Kent Henry (guitarra), George Biondo (bajo), Hugh O'Sullivan (teclados) y Penti "Whitey" Glan (batería), que fueron sustituidos por Danny Kortchmar, Lee Sklar, Mike Utley y Russ Kunkel, respectivamente. Steppenwolf se reformaron en 1974 y editaron el LP Slow Flux, pero se volvieron a disolver en 1976. Durante el periodo entre 1977 a 1980, la banda se reunió para girar en directo, esta vez sin Kay. Incluso llegaron a grabar un nuevo disco de estudio, Night of the Wolf en 1979, que permanece inédito. John Kay formó una nueva versión de la banda a principios de los años 80, llamados John Kay and Steppenwolf con los que grabó cuatro discos (Wolf Tracks, 1982; Paradox, 1984; Rock & Roll Rebels, 1987 y Rise & Shine, 1990). En 2001 publicó un disco en solitario.
El grupo que lleva su nombre ha dado a Carlos Santana fama mundial. Durante su trayecto musical de casi cuatro décadas Carlos ha reinventado y cambiado el paisaje universal de la cultura musical. Se trata de un artista visionario quien no hace caso a los límites de estilos, cuya fluida música se destacó como música mundial o world music mucho antes de que el término apareciera en el radar de la cultura pop. Nacido en Autlán de Navarro, México, donde existe ahora una calle y plaza pública con su nombre, es el hijo del maestro José Santana, el fallecido violinista de mariachi que dirigiera varios grupos en México y en Estados Unidos. Carlos siguió los pasos musicales de su padre, tomando clases de violín a la edad de cinco años. Sin embargo, fue varios años mas tarde, cuando su familia se trasladó a Tijuana, que Santana inició su relación con la guitarra, una relación que duraría toda la vida y que lo convertiría en uno de los máximos exponentes musicales. Desde temprana edad Carlos emuló a sus héroes: John Lee Hooker, T. Bone Walker, y B.B. King, a quienes escuchaba en las poderosas estaciones de radio Estadounidenses cuyas señales cruzaban la frontera.
En 1961, Carlos dio el gran paso mudándose desde su nativo México a San Francisco. Unos cuantos años después formó el grupo Santana Blues Band y con sus innovadores tonos, riffs llenos de alma y con el ritmo de su singular sonido influenciado por la música latina y los blues, pudo alcanzar a un público sediento por sus ideales musicales progresivos. Fue así que Carlos y compañía emergieron como gigantes de la era que definió la música del Área de la Bahía. Para finales de los años 60, su fama ya había crecido mucho más allá de sus parámetros, pero su arte no se vio afectado por esta creciente popularidad y permaneció fiel a su espíritu libre del Carlos y de su grupo.
El éxito masivo siguió rápidamente. El terminar la década Carlos había tocado para públicos enormes en teatros y arenas repletas en el transcurso de una gira por todo el país, tuvo además la oportunidad de presentarse en el venerable programa televisivo The Ed Sullivan Show. Pero fue en el festival original de Woodstock en 1969, que Santana trazó una marca imborrable en la historia de la música con su legendaria actuación, la cual hizo vibrar a las multitudes presentes y continúa contagiando, con su vigor y energía, a todo aquel que escucha o ve las grabaciones y filmaciones del monumental evento.
Santana no ha parado desde ese momento: Como miembro del Rock and Roll Hall of Fame, Santana ha vendido más de 90 millones discos, y ha actuado para un total de más de 100 millones de personas. Se ha ganado diez de los premios GRAMMY®, nueve de estos para la disquera que lo apoyo en un singular proyecto para su trigésimo sexto álbum. Se trata del álbum Supernatural, el superéxito del año 1999, cuyas ventas actualmente sobrepasan actualmente los 25 millones de discos. Los premios otorgados a Supernatural incluyen Álbum del Año y Disco del Año, por el exitoso sencillo "Smooth".
Santana recibió un premio GRAMMY por el éxito "The Game of Love", de su álbum Shaman del 2001. Santana también ganó tres Latin GRAMMY Awards, y en el 2004, recibió el prestigioso honor de ser nombrado "Person of the Year" (Persona del Año) del Latin Recording Academy. En All That I Am, su más reciente álbum editado en el 2005, el tercero para Arista, Carlos sigue la tradición de realizar cautivantes grabaciones con una diversa combinación de innovadores artistas colegas.
Menos publicitado, pero igual de profundo como su legado artístico, es el largo historial de Santana de activismo social y contribuciones y fondos a causas humanitarias. Como culminación a sus décadas de apoyo para innumerables caridades y agencias no lucrativas en todo el mundo, él y su esposa de hace mas de 30 años, Deborah Santana, fundaron la Fundación Milagro en 1998. Con más de $2.8 millones en becas hasta la fecha, Milagro apoya a las organizaciones que promueven el bienestar de los niños con necesidades en los sectores de la salud, la educación y de las artes.
Recientemente, Santana se ha involucrado profundamente en la lucha contra la pandemia del SIDA en Sudáfrica, a través de una asociación con ANSA - Artists for New South Africa. En el 2003 dedicó todas las ganancias de su gira norteamericana para la causa. Entre otras de las organizaciones que Santana apoya están Hispanic Education y Media Group, Doctors Without Borders, Save the Children, Childreach, Rainforest Action Network, Greenpeace, American Indian College Fund, Amnesty International y el Museum of Tolerance con sede en Los Ángeles.
Ya avanzado en su cuarta década de composición, grabación y presentación, Carlos Santana se encuentra en el pináculo de su carrera; más vital e importante que nunca. Carlos personifica magníficamente la clásica virtuosidad de "la escuela vieja" y la frescura de "la escuela nueva" y por lo tanto continúa alcanzando las sucesivas generaciones de nuevos admiradores. Su característica música, que es extraordinaria e instantáneamente reconocible, combina Rock, Jazz, Blue, Soul, toques latinos, estilos multiculturales y más. Con su música y con los éxitos a lo largo de su vida, Santana ha llegado a volverse un acontecimiento cultural que transciende los estilos y abarca una gama de distintas culturas, y que ha creado la música que ha pasado a ser la banda sonora para el mundo.
La incesante creación artística y la fuente de ayuda humanitaria no han pasado por desapercibidas y Carlos ha sido honorado con muchos premios por su música y por su humanidad, además de una larga lista de premios R.I.A.A de platino y de oro por ventas sin precedentes.
Grabaciones:
El lanzamiento en el 2005 de 'All That I Am' marca el trigésimo octavo álbum en el maratón de la carrera de grabaciones de Carlos Santana, el cual surge impulsado por el ímpetu las extraordinarias ventas mundiales del fenómeno del GRAMMY Supernatural y del álbum que le siguió, Shaman. Se trata del tercer álbum de Carlos cuyo productor ejecutivo será el célebre titán del ámbito musical, el señor Clive Davis, quien conoce a Carlos desde que ambos comenzaron en Columbia Records. El producto All That I Am se entrelaza...
Este disco es el último logro de un extenso legado musical, el cual se distingue por su rotundo éxito desde el principio. Carlos logró ventas de doble platino y ocupó la cuarta posición en Billboard con el debut en el año 1969 del clásico álbum llamado Santana, de la Banda de Santana, el cual alcanzó el cuádruple disco de platino y presentó los éxitos "Soul Sacrifice" y "Evil Ways." Su álbum número uno en la década de los setenta, que también ha quedado inmortalizado, presentó los temas "Black Magic Woman" y el aclamado Santanizado título de Tito Puentes "Oye como va", los cuales han pasado a ser temas clásicos de Santana.
Las grabaciones iniciales de Carlos lograron un impresionante triple play en 1971 con Santana III que presentó los temas "Everybody's Everything" y "Everything's Coming Our Way", los cuales también llegaron a ser éxitos número uno. Estos tres exitosos discos, al igual que otros discos clásicos tales como Caravanserai, Moonflower, Welcome, Love Devotion Surrender y Carlos Santana y Buddy Miles Live! han sido recientemente reeditados con una calidad superior de sonido y lujosos paquetes de discos compactos por Sony BMG's Legacy Recordings.
Entre los éxitos de Carlos ha alcanzado está el álbum Amigos, que con su estilo de jazz y R&B llegó a ser uno de los 10 mejores en 1976 y presentó el éxito Let it Shine. En 1987 el proyecto Blues For Salvador, un proyecto solista con mucho significado personal, fue galardonado con el GRAMMYfor Best Rock Instrumental Performance (mejor actuación instrumental de rock), por el cautivante y espiritual tema cuyo título era también el título del álbum.
Viendo un poco hacia atrás, la discografía de Santana incluye las siguientes compilaciones de mayor venta; Greatest Hits (1974) y Best of Santana (1998) y el doble disco compacto (1997) Live at The Fillmore, el cual incluye ardientes versiones de los más exitosos temas que fueron inmortalizados durante los históricos espectáculos de la banda en 1968. La intensa colección compuesta de tres discos compactos Dance of The Rainbow Serpent fue lanzada en 1985. Más recientemente The Essential Santana expuso el desarrollo de su carrera hasta ese punto en un doble disco que explora la constante evolución artística de Carlos.
Premios Musicales: Hace poco Carlos Santana recibió el premio "BMI Icon" y el primer Latin Awards Icon en el duodécimo Annual BMI Latin Awards en abril del 2005. BMI, el líder en la edición de música, creó el Icon para honorar a los artistas que han tenido una "única e imborrable influencia sobre generaciones de creadores de música."
En el 2004, durante la semana de gala que culminó con los premios Latin GRAMMY Awards, Carlos fue honorado muy especialmente al ser nombrado "Person of the Year Award", de Latin Recording Academy's®. Lo aludieron como "un ser humano extraordinario, músico y activista quien ha creado un impacto global en la música y en la cultura," LARAS añadió, "su excepcional talento, creciente cuerpo musical, activismo social, su honestidad y su sabiduría son atributos que hacen de Santana la cúspide y la personificación de la Persona del Año."
El punto de comparación de todos los premios musicales es el GRAMMY®, y Carlos ha sido galardonado con diez de estos bellos trofeos con forma de gramófono. Recientemente en el 2002, "The Game of Love," la contribución en Shaman con Michelle Branch fue otorgado este importante galardón.
Carlos recibió ocho de sus diez gramófonos en la cuadragésima segunda celebración anual de los premios en el año 2000 por suSupernatural del año 1999, el cual recibió un total de nueve GRAMMYs, junto con el record por más premios otorgados a un solo proyecto. Los premios fueron otorgados en las siguientes categorías: Album of the Year, Best Rock Album, y Record of the Year y Song of the Year, para la extraordinaria canción solista "Smooth". En realidad si jamás ha existido una canción del año con seguridad fue esta, ya que además gano el premio VH-1 "Your Song Kicked Ass But Was Played Too Damn Much," (tu canción hizo y deshizo pero la tocaron demasiado) el cual fue otorgado a Carlos junto con el premio de Hombre del Año 2000 de VH-1.
El Latin GRAMMYs reconoció la innovadora riqueza musical de Supernatural al otorgar a Carlos tres importantes premios, incluyendo el título Record of the Year 2000 por "Corazón Espinado," con Santana presentando a Maná.
Los años inmediatamente después de Supernatural también generaron un torrente de importantes reconocimientos a nivel nacional e internacional, entre los que figuran muchos de los más respetados honores musicales. Entre estos galardones figuran los Brit Awards de Inglaterra, los premios Amigo de España, el Billboard Awards, el premio de los Italian Music Awards, Echo Awards de Alemania y los premios World Music Awards.
Los premios y reconocimientos han venido a lo largo de la carrera de Carlos. El grupo Santana Band fue el primero en ganar el premio CBS Record's Crystal Globe Awards, gracias sus ventas internacionales de mas de cinco millones de álbumes. Carlos ha recibido varias veces el mayor número de votos como mejor guitarrista de Pop-Rock en el muy popular sondeo Readers Poll de Playboy Magazine. También ganó diez premios de Bay Area Music Awards, incluyendo tres reconocimientos como Musician of the Year. Carlos estuvo entre los selectos grupos inaugurales, junto con Bill Graham y Jerry Garcia, que fueron inmortalizados en el BAMMY Hall of Fame. En 1998, el renombre de Carlos fue literalmente grabado en piedra con una estrella en el mundialmente famoso Hollywood Walk of Fame.
Aquel mismo año, Carlos y su Santana Band recibieron el máximo honor de ser incluidos en el hall de fama de Rock and Roll Hall of Fame. John Popper, de Blues Travelers, fue el presentador. Además de la adrenalina del momento, lo que hizo este momento increíblemente especial fue el hecho de que Carlos fuera el primer hispano en ingresar al consagrado Hall. "Me siento así como si fuera Jackie Robinson," expresó Carlos más tarde a los reporteros.
En los más de 40 años que llevan juntos, ZZ Top ha pasado de ser una banda de rock puro a icono de la cultura pop norteamericana. Algunos podrían decir que son visionarios que se apropiaron de la escena de MTV y del rock mezclado con lo bailable durante los 80, hasta dar la impresión de que iban a apoderarse del mundo. ZZ Top toca boogie y blues tejano e indudablemente nadie lo hace mejor que “la pequeña banda de Texas”. Mucho de su atractivo se debe a esa presencia rústica y áspera, que también se siente en sus canciones. Bill Gibbons (guitarra), Frank Beard (batería) y Dusty Hill (bajo) reconocen que sus mayores influencias vienen de intérpretes del blues de la talla de Muddy Waters o John Lee Hooker. Su arranque como banda de blues rockera cautivó audiencias en el sur de Estados Unidos durante los setenta y ochenta. La fórmula que ha hecho a ZZ Top diferente y popular está en los fieles que pueden ser al blues en lo musical y los sueltos que son los textos de sus canciones que hacen referencia a un doble sentido en lo sexual y a la diversión. Han escrito sobre autos, ropa, medias y hasta de anteojos de sol. Sus apariciones en MTV no fueron casualidad, las largas bárbas de Hill y Gibbons engancharon directamente con la generación de los ochenta. Aunque para muchos es la banda que anima cualquier fiesta, lo cierto es que son el producto cultural pop de Texas más acabado. ZZ Top arrancó en 1969 con la banda de blues psicodélico de Gibbons que por entonces se llamaba “Moving Sidewalks”. Gibbons se hacía acompañar por Lanier Greig en el bajo y Dan Mitchell en la batería. Debutaron con el sencillo “Salt Lick”, luego del cual Greig fue despedido. En su lugar llegó Bill Ethridge. Más tarde el bajista fue reemplazado con Dusty Hill y el baterista con Frank Beard. Aunque produjeron un par de discos como American Blues y abrieron para Hendrix en una de sus presentaciones, todavía necesitaban algo que los uniera creativamente. Fue en febrero de 1970 que ZZ Top debutó como tal, pero ahora unidos por el amor al blues, el boogie, el rock y un entrañable cariño por Texas. Su primera casa disquera fue London Records de la que formaban parte los Rolling Stones. Sus primeros dos álbumes, “ZZ Top’s First Album” (1970) y “Rio Grande Mud” (1971) les permitieron sacar su blues sin complejos. “Francene” fue su primer sencillo exitoso que sirvió para ampliar su base de admiradores. El sonido de la banda terminó de tomar forma en “Tres Hombres” de 1973 grabado en Memphis. Musicalmente la unión de sonidos de Memphis y Texas hizo que ZZ Top lograra un sonido distintivo que se materializó en el sencillo “La Grange”, que alcanzó a colocarse entre las 50 más populares de Billboard. En 1974 fue su primer "Texas-Size Rompin' Stompin' Barndance And Bar-B-Q", una actividad masiva a la que asistieron 85 mil personas y que rápidamente su convirtió en un acto de culto a la banda. La cantidad de gente fue tal que la Universidad de Texas no volvió a organizar eventos similares en sus instalaciones hasta 20 años después. La base de admiradores del grupo se armó por medio del boca a boca y eso sirvió para que sus presentaciones se llenaran y los discos empezaran a venderse. “Tres Hombres” llegó a ser número ocho en la lista de álbumes y fue el primero de una serie de 11 discos de oro y platino. Los discos subsiguientes, “Fandango!” de 1975 y “Tejas” de 1977, estuvieron en las posiciones 10 y 17 respectivamente. “Tush” una canción que venía en el disco “Fandango!” se convirtión en el primer Top 40 de ZZ Top. En ese momento ZZ Top se lanza en una gira ambiciosa llamada “Worldwide Texas Tour: taking Texas to the People”. Era un espectáculo con 75 toneladas de equipo y animales tejanos, y un escenario que tenía la forma del estado. Cuando terminaron la gira en 1977 estaban más que agotados por lo que se tomaron un año sabático. El descanso sirvió para reavivar la vena creativa, negociar con una nueva disquera (Warner) y presentar un cambio de apariencia completamente involuntario. Para ese momento Gibbons y Hill se habían dejado crecer una barba largísima, lo curioso es que ninguno de los dos sabía que el otro lo estaba haciendo. Las barbas largas se convirtieron en un sello distintivo para el grupo. Retomaron los escenarios en 1979 con el disco “Deguello”. En el venían canciones como “Cheap Sunglasses”, “Fool for Your Stockings”, “I’m Bad, I’m Nationwide” y el refrtio de Sam y Dave “I Thank You”. A este disco le siguió “El Loco” de 1981 que incluía el sencillo “Tube Snake Boogie”, tema que los preparó para la explosión de popularidad que estaba por venir. En los ochenta ZZ Top descubrió el sintetizador casi al mismo tiempo en que MTV descubrió a ZZ Top. El nuevo sonido de la banda con sintetizador llamó la atención de los adeptos al blues, el rock, el boogie, el disco y el New Wave. “Eliminator”, que sería su disco más importantes con ventas acumuladas a 1996 por 10 millones de copias, encontró su título el Ford Cupé de 1934 rojo de Gibbons. El disco produjo tres sencillos, “Gimme All Your Lovin’” (#37), “Sharp Dressed Man” y “Legs” (#8) que fueron éxitos en la radio, la televisión y las discotecas. Desde el lanzamiento de “Eliminator” en 1983 hasta la salida de los “Grandes Éxitos” de las listas en 1993, ZZ Top se convirtió en una banda de importancia internacional. “After Burner” en 1985 y “Recycler” en 1990 completaron el ciclo iniciado en el 83 con diverso suceso. En julio de 1992, ZZ Top anunció que se iba de Warner Bros. a RCA. Desde entonces han grabado cuatro álbumes adicionales Antenna (1993), Rhythmeen (1996), XXX (1999) y Mescalero (2003); hasta la fecha siguen siendo uno de los actos en vivo más impresionantes que se pueden ver en el escenario. Ya en 2003 ZZ Top lanzó su último disco para RCA titulado Mescalero, algo pesado por lo fuerte de la guitarra de Gibbons y que contenía una pista oculta de una versión de “As Time Goes By”. Ese mismo año, una colección de 4 discos en la que se incluyó la producción de los años en los sellos London y Warner Brothers: “Chrome, Smoke & BBQ”. Dentro de las curiosidades que acompañaron a la compilación están los primeros lados A y B de la banda, muchos lados B que nunca sonaron y algunas versiones bailables de sus éxitos de MTV. De la misma manera en la actualidad se está trabajando en una remasterización de sus discos de los años 70 y 80. Hasta la fecha han sido puestos a la venta “Tres Hombres”, “Fandango!” y “Eliminator”. En 2004 ZZ Top entró al Salón de la Fama del Rock and Roll precedidos por el discurso de Keith Richards de los Rolling Stones. 2006 fue un año de grandes cambios para el grupo pues dejaron el sello RCA y terminaron su relación con su representante Bill Ham. En diciembre contrataron a Sanctuary Managment como sus representantes. La banda siempre se ha mantenido activa haciendo presentaciones en distintos foros y como artistas invitados de eventos importantes como el Orange Bowl de Miami. En 2008 se presentaron en la final American Idol interpretando “Sharp Dressed Man” mientras David Cook (el finalista) la cantaba. En julio de 2008 ZZ Top anunció que había contratado a Rick Rubin como su productor para su nuevo álbum. El grupo pretende con el disco volver a su sonido previo a los años ochenta o La Grange. Durante 2009 Aerosmith y ZZ Top viajaron juntos en una gira que movió millones. Sin embargo, fue cancelada luego que Steve Tyler se lastimara la espalda. A través de los años, una de las fortalezas de ZZ Top ha sido su constante calidad en las presentaciones en vivo que les ha llevado a lograr marcas impresionantes en sus ingresos en los Estados Unidos. Además, Gibbons, Hill y Beard han mantenido esa imagen excéntrica y colorida apoyada en sus anteojos y sombreros texanos. Independientemente de lo que ocurra con sus carreras de aquí en adelante, parecen estar condenados a estar al final de cualquier directorio y enciclopedia sobre rock and roll.
Bad Company es un supergrupo inglés de hard rock fundado en 1973 e integrado por ex miembros de la banda Free (Paul Rodgers, Simon Kirke), Mick Ralphs (ex miembro de Mott the Hoople) y Boz Burrell (ex miembro de King Crimson). Bad Company fue representado por Peter Grant, quien también guió a Led Zeppelin por éxitos masivos. La banda disfrutó de gran popularidad durante los años 70.
Inicialmente se inspiraron en la película clásica del oeste homónima (Bad Company, 1972) protagonizada por Barry Brown y Jeff Bridges (el film se tituló en España Pistoleros en el Infierno), y que dio lugar al nombre de la banda y a su primer éxito en 1973. Entonces pasaron a ser una de las primeras superbandas de los años 70. La banda se reformó en 1986 con el ex vocalista de Ted Nugent, Brian Howe, en el lugar de Rodgers, y Steve Price reemplazando a Boz Burrell en el bajo. Con Howe como vocalista, el sonido de Bad Company adquirió un estilo similar a Foreigner, con menos blues y más glam rock, logrando llegar a un mercado mucho más amplio. Debido a tensiones internas entre los integrantes de la banda, Brian Howe la dejó en 1994. Durante los años 90, la banda siguió adelante con diversos músicos y con el batería Simon Kirke como único componente original. La formación en el año 2003 incluye a Mick Ralphs y a Simon Kirke, además de a Dave Colwell (teclados), Rick Wills (bajo) y Robert Hart (vocalista).
La época original con Paul Rodgers (1973–1982)
El cantante Paul Rodgers estaba tan fanatizado de la película Bad Company que por ella decidió llamar así a su banda. Su nombre fue también propuesta para el álbum homónimo de la banda y el posterior sencillo.
El álbum debut de 1974, llamado Bad Company, fue un éxito internacional, junto con el grupo, que fue considerado como uno de los primeros supergrupos de los años 70. Bad Company consistía en cuatro músicos de sesión: dos miembros fundadores de Free, el cantante Paul Rodgers y el baterista Simon Kirke; el fundador de Mott the Hoople, el guitarrista Mick Ralphs y el bajista de King Crimson, Boz Burrell. El grupo fue representado por Peter Grant, quien también representaba a Led Zeppelin en la fecha y estaría a cargo de Bad Company hasta 1982, cuando Swan Song Records desapareció. El álbum alcanzó el puesto número 1 en el ranking Billboard's Pop Albums (Norteamérica) e incluyó dos sencillos que superaron el puesto 20 en las listas, «Can't Get Enough» en el número 5 en 1974 y «Movin' On» en el 19 a principios de 1975. En 1975, el álbum Straight Shooter dio al grupo otro puesto 1 en el ranking Billboard's Pop Albums. El álbum también consiguió dos exitosos sencillos, «Good Lovin' Gone Bad» en el número 36 y la balada «Feel Like Makin' Love» en el 10.
A finales de 1975, Paul Kossoff (ex guitarrista de Free) se unió a Bad Company y a sus ex compañeros de Free, Paul Rodgers y Simon Kirke, sobre el escenario durante dos noches para interpretar el éxito de Free «All Right Now». Bad Company programó una gira por Inglaterra junto a la nueva banda de Kossoff, Back Street Crawler, para promocionar el nuevo álbum de Bad Company Run With the Pack. El comienzo de esta gira de doble cabecera fue programado para el25 de abril de 1976, pero tuvo que ser cancelada debido a la muerte de Paul Kossoff, ocurrida el 19 de marzo de 1976.
Burnin' Sky, de 1977, es considerado el peor de los primeros cuatro álbumes, logrando un decepcionante puesto 15, y se considera el álbum de Bad Company menos vendido hasta la fecha. El disco tuvo sólo un sencillo que llegó a tener puesto en un ranking: la canción que da título al álbum, «Burnin' Sky», la cual alcanzó el puesto 78 en las listas populares. Desolation Angels de 1979 estuvo mejor que su antecesor y dio a la banda su primer platino Top 5 por venta de álbumes desde el álbum de 1976, Run With the Pack. Desolation Angels enriqueció el sonido del grupo con sintetizadores y cuerdas. El álbum alcanzó el puesto 3 en los rankings Billboard y nuevamente tuvo dos sencillos en las listas: «Rock 'n' Roll Fantasy» en el puesto 13 y «Gone Gone Gone» en el puesto 56.Run With the Pack fue el primer álbum de Bad Company en obtener disco de platino. Al tercer millón de copias vendidas, alcanzó el puesto número 5 en el ranking Billboard y presentó el éxito «Young Blood», que llegó al puesto 20 en las listas populares.
A finales de la década de los 70, en la banda creció el desencanto por tocar en grandes estadios. Adicionalmente, Peter Grant perdió interés en el grupo, y generalmente en la representación, después de que el baterista de Led Zeppelin, John Bonham, murió el 25 de septiembre de 1980. En palabras de Simon Kirke: «Peter era en definitiva el pegamento que nos mantuvo a todos unidos, y en su ausencia nos separamos». Se conoció también que Paul Rodgers —quien posee cinturón negro en artes marciales— estuvo involucrado en un altercado y agresión física con Boz Burrell y Mick Ralphs.
Bad Company finalizó una pausa de tres años con el lanzamiento del nuevo álbum de estudio Rough Diamonds en 1982. Este sería el sexto y último LP con la formación original hasta la grabación de cuatro nuevas canciones en 1998. En ventas fue el peor de los álbumes de Bad Company con Paul Rodgers como líder. El álbum alcanzó el puesto 26 y presentó «Electricland» (número 74), que alcanzó el puesto 2 en la lista Hot Mainstream Rock Tracks recientemente creada.
Después del lanzamiento de Rough Diamonds, la banda se separó. Mick Ralphs dijo: «Paul quiso una separación y la verdad es que todos necesitábamos parar. Bad Company había sido mayor que todos nosotros y para continuar habríamos destruido a alguien o algo. Desde un punto de vista financiero, era la peor cosa por hacer, pero el instinto de Paul fue absolutamente correcto».
A pesar de ser famosos por sus presentaciones en vivo y llenar estadios por casi una década, Bad Company no publicó oficialmente un álbum de presentaciones en vivo hasta el año 2006 cuando se lanzó el álbum Live in Albuquerque 1976. Las grabaciones fueron hechas por Mick Ralphs, quien regularmente registraba los conciertos de la banda, y los utilizó como una herramienta para perfeccionar su repertorio y presentaciones. Grabaciones aficionadas de conciertos en vivo de Bad Company también están disponibles, incluyendo «Boblingen Live» (1974), «Live in Japan» (1975) y «Shooting Star Live at the L.A. Forum» (1975).
La época con Brian Howe (1986–1994)
En 1986, Mick Ralphs y Simon Kirke decidieron reunirse para un nuevo proyecto. Su casa discográfica, Atlantic Records, sin embargo, les insistió que debían continuar con el nombre Bad Company, pero Paul Rodgers estaba trabajando junto aJimmy Page (ex guitarrista de Led Zeppelin) con un nuevo supergrupo llamado The Firm. Entonces los dos miembros restantes reclutaron a Brian Howe, ex vocalista de Ted Nugent, como el nuevo cantante, Steve Price como el nuevo bajista y Greg Dechert (ex miembro de Uriah Heep) como teclista. El estilo vocal de Howe trajo más sonido pop-rock a la banda, en contraste con el estilo más blusero de Rodgers. La banda llamó al productor de Foreigner, Keith Olsen para producir el álbum inicial de la nueva formación, Fame and Fortune de 1986. Reflejando el estilo musical de mediados de los '80, el álbum fue apoyado por teclados, a diferencia de los álbumes previos de Bad Company, y sólo tuvo un modesto éxito comercial, bordeando los Top 100. El sencillo "This Love" logró alcanzar el puesto #85 en las listas de sencillos.
Boz Burrell, el bajista original de Bad Company, aceptó reunirse con la banda y su nombre fue acreditado en el álbum Fame and Fortune, aunque no tocó en él. Burrell participó en la gira del álbum y dejó la banda nuevamente. Price luego retornó. En 1987, Dechert fue excluido de la formación y la banda decidió no incluir teclados en su sonido. Salieron de gira ese año teloneando a Deep Purple.
Para el siguiente álbum de la etapa Howe, Dangerous Age de 1988, la banda reemplazó a Olsen por el productor Terry Thomas, quien se hizo cargo de la mayoría de los teclados e hizo retornar a la banda a un sonido de guitarra trabajada. Thomas también agregó pequeñas dosis de teclados tanto como guitarras rítmicas y coros y escribió la mayor parte de las canciones con la banda. Dangerous Age comenzó mejor que su antecesor, presentando varios videos en MTV y los éxitos "No Smoke Without A Fire" (#4), "One Night" (#9) y "Shake It Up" (#9, también #89 en las listas de sencillos). El álbum obtuvo disco de oro y llegó al Top 60. Para la gira de Dangerous Age, la banda fue apoyada por Larry Oakes (teclados, guitarra), quien también había tocado con Foreigner por un corto período. Price y Oakes se retiraron al término de la gira.
Después de la gira Dangerous Age, durante la cual la banda viajó separadamente de Brian Howe ya que los restantes miembros no podían tolerar su comportamiento, se propusieron encontrar un reemplazante para él. Sin embargo, Howe, esperanzado en comenzar una carrera solista, estaba imposibilitado para asegurar un contrato de grabación y eventualmente la banda fue obligada a permitirle regresar como resultado de la presión para producir un nuevo álbum por influencias externas.
El siguiente álbum de la banda, Holy Water de 1990, también producido por Thomas, fue un enorme éxito en cuanto a críticas y ventas, logrando el Top 40 y disco de platino por vender más de un millón de copias. Holy Water fue el primer álbum de la banda bajo la etiqueta Atco Records, subsidiaria de Atlantic. El álbum presentó los sencillos "If You Needed Somebody" (#16), "Holy Water" (#89) y "Walk Through Fire" (#28). El sencillo "Holy Water" llegó al puesto #1 por dos semanas en las listas AOR con "If You Needed Somebody" logrando el puesto #2. El álbum recibió una significativa emisión radial (cinco canciones hicieron las listas AOR en todo) y permitió realizar videos de varios de sus éxitos. Felix Krish tocó el bajo en el álbum de estudio mientras Paul Cullen fue reclutado para las presentaciones en vivo. Mick Ralphs, quien estaba cuidando asuntos personales y familiares, se excluyó de la mayor parte de la gira Holy Water, aunque estuvo presente en el álbum. Ralphs fue reemplazado en la gira y los videos por el ex guitarrista de Crawler, Geoffrey Whitehorn. Ralphs retornó durante la parte final de la gira y Whitehorn se integró a Procol Harum donde aún toca hasta el día de hoy. Por aquel entonces también se unió el ex guitarrista de ASAP, Dave "Bucket" Colwell como segundo guitarrista. Muchas de las fechas de esta gira fueron exitosas y presentaron a Damn Yankees como co-protagonistas. La gira fue una de las más rentables de 1991, un año que vio muchas otras actuaciones de rock enfrentando una recesión en cuanto a cantidad de público debido a los altos precios de las entradas para los conciertos y una crisis económica.
El último álbum de estudio de la era Howe, Here Comes Trouble de 1992, presentó el éxito de Top 40 "How About That" (#38) y "This Could Be The One" (#87). El álbum obtuvo disco de oro, pero la fórmula fue disminuyéndose. Antes de comenzar la gira de promoción de Here Comes Trouble, la banda agregó al bajista Rick Wills (ex miembro de Foreigner, ex miembro de Roxy Music y ex miembro de Small Faces) y Dave "Bucket" Colwell, un recomendado de Ralphs, ahora como miembro estable. La banda grabó un álbum en vivo, What You Hear Is What You Get: The Best of Bad Company durante la gira Here Comes Trouble. El disco, publicado en 1993, presentó versiones en vivo de éxitos pertenecientes a las etapas de Rodgers y Howe en la banda, aunque no vendió mucho.
Howe dejó la banda en 1994. En cuanto a su salida de la banda, Howe afirmó: "Dejar Bad Company no fue una decisión difícil. Había llegado el punto donde nadie estaba contribuyendo en nada para componer y, francamente, la banda se estaba volviendo muy, muy poco rigurosa en vivo. Yo simplemente, junto con Terry Thomas, nos cansamos de hacer todo el trabajo y luego debido a esto no conseguir nada excepto resentimientos de parte de Mick y Simon".
La época con Robert Hart (1995–1997)
Después de la salida de Howe, los miembros restantes invitaron al ex vocalista de Distance, Robert Hart, para hacerse cargo de la voz principal. Al contrario de Howe (quien tenía un estilo diferente y un rango alto), Hart era más cercano en la voz y un imitador de Rodgers. La nueva formación publicó Company of Strangers en 1995 bajo el sello EastWest Records y llegó al puesto #159 en las listas de álbumes. Produjo el éxito AOR "Down And Dirty" (#17). Stories Told & Untold (Historias Contadas e Inéditas) fue publicado en octubre de 1996 y fue un éxito comercial. El álbum contiene regrabaciones de siete grandes éxitos de Bad Company (historias "contadas"), y siete canciones nuevas (historias "inéditas"). Muchas de estas fueron grabadas en Nashville y presentaron apariciones de estrellas country invitadas como Vince Gill... pero la nueva formación fue un fracaso comercial en ventas de discos y en gira.
La segunda época con Paul Rodgers (1998–2002)
Durante su ausencia de Bad Company, Rodgers estuvo involucrado en varios proyectos. Su álbum debut como solista, Cut Loose, fue lanzado en octubre de 1983, y Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters batió récords de venta en 1993. También participaría en dos proyectos de bandas: The Firm, con Jimmy Page de Led Zeppelin, y The Law con el ex baterista de The Who, Kenney Jones.
En 1998, Paul Rodgers y Simon Kirke estuvieron discutiendo el lanzamiento de una extensa compilación con una biografía y fotografías para los fans. Rodgers decidió que el álbum incluiría cuatro nuevas canciones. Finalmente, se reunió con Kirke y los miembros restantes (Mick Ralphs y Boz Burrell) en el estudio para grabar estas cuatro canciones nuevas. La reunión fue corta, pero produjo un Top 20 con "Hey Hey" (#15). La segunda canción nueva, "Hammer of Love" llegó al puesto #23. Las nuevas canciones aparecieron en el álbum compilatorio llamado The Original Bad Company Anthology, el cual logró el puesto #189. Muchos fans se sintieron defraudados con el listado de canciones, el cual descartó temas considerados como favoritos, aunque aparecieron bastantes rarezas. La reunión de la banda los llevó a salir de gira el verano de 1999 por sólo 30 fechas en Estados Unidos. Los conciertos fueron satisfactorios. Al año siguiente, Ralphs anunció que se retiraba de las presentaciones en vivo y Burrell dejó nuevamente la banda, llevando la reunión a su fin.
Paul Rodgers nuevamente se unió a Simon Kirke en 2001 para una nueva gira por Estados Unidos, la cual incluyó fechas junto a Styx y Billy Squier como invitado especial. Rick Wills y Dave Colwell reemplazaron a los retirados Boz Burrell y Mick Ralphs. La gira resultó en grandes ganancias para la banda y luego se desplazaron a Inglaterra. Completaron algunas fechas en la costa oeste de Estados Unidos para grabar un nuevo álbum en vivo y DVD llamados Merchants of Cool, los cuales estrenaban la canción "Joe Fabulous", logrando el puesto #1 en la radio y el Top 20 en Mainstream Rock Radio en Estados Unidos, durante su semana de debut. La gira promocional de Merchants of Cool en 2002 nuevamente presentó a Kirke y Rodgers como los únicos miembros originales de la banda. Colwell fue el guitarrista principal y Jaz Lochrie, quien había tocado en vivo y grabado con Paul Rodgers desde 1995 en adelante, se hizo cargo del bajo. Como artistas invitados en los conciertos incluyeron a Slash (guitarrista fundador de Guns N' Roses) y Neal Schon (guitarrista de Journey). Después de la gira 2002, Bad Company pasó a inactividad nuevamente y Paul Rodgers retornó a su carrera solista.
Esta banda fue formada en 1983 por el danés Mike Tramp (voz) (ex integrante de Mabel) y Vito Bratta (ex integrante de Dreamer), quienes después de varios intentos fallidos, se unieron al bajista Felix Robinson y al baterista Dave Capozzi. Con ellos consiguieron firmar un contrato con Elektra Records, para editar su álbum de debut, "Fight To Survive" en 1984. Sin embargo, tras negarse a lanzar el disco por no haber quedado conforme con la producción, White Lion fue despedido y finalmente la placa fue editada por RCA Records a fines de ese mismo año. Fight to Survive se ubicó en el puesto número 151 de la Billboard 200[5] y figuró el single debut de la banda "Broken Heart".
Para su segundo trabajo, Pride, lanzado junto a Atlantic Records en 1987, White Lion contaba con nuevos integrantes; se trataba de James LoMenzo (exMegadeth) en el bajo y Greg D'Angelo (exAnthrax) en la batería. Este álbum los catapultó a la fama y llegó a ubicarse en el número 11 de las listas Billboard, gracias a los sencillos 'Wait' y 'When The Children Cry', que llegó al puesto 3 en noviembre de 1988.
En 1989 editaron "Big Game", logrando imponerse con el clásico sonido melódico de la banda. Se promocionan los singles 'Little Fighter', 'Cry for Freedom' y el cover de Golden Earring 'Radar Love'.
En 1991 grabaron su cuarta placa llamada "Mane Attraction", que destacó con el tema "Love Don't Come Easy" y la regrabacion de "Broken Heart".
Con la llegada de los años noventa, la escena musical cambia y D'Angelo y Lomenzo abandonaron el grupo, siendo reemplazados por Jimmy DeGrasso y Tommy Caradonna, respectivamente. Sin embargo ese mismo año le pusieron fin a White Lion, aunque se han editado algunas recopilaciones como "The Best Of White Lion" en 1992 , y de la mano del vocalista Mike Tramp, el cual ha incluido versiones de los temas originales del grupo se editaron "Remembering White Lion: Greatest Hits" en 1999, y "White Lion: Last Roar" en 2004.
A fines del 2007 se anunció el regreso de White Lion, y actualmente ya lanzaron un nuevo disco titulado Return of the Pride, que salió al mercado el 14 de marzo de 2008 a través del sello Frontiers Records. El trabajo ha sido producido por el vocalista Mike Tramp y el bajista Claus Langeskov, y ha sido grabado durante 2007 entre Australia y Copenhague entre los compromisos de gira.
La alineación actual de White Lion es la siguiente: Mike Tramp (Voz), Claus Langeskov (Bajo), Jamie Law (Guitarra) Troy Patrick Farrell (Batería) y Henning Wanner (Teclados).
Sangre Azul empieza como banda en 1982 en la localidad madrileña de Pinto. Al principio sólo hacían versiones de otros grupos y poco a poco van consolidándose como banda. La banda no empieza a hacerse notar hasta 1985, su primera formación estable es José Castañosa "Lili" (ex Tritón) a la voz, Carlos Raya a la guitarra, J.A. Martín a la guitarra, Julio Díaz (ex Mazo y ex Santa) al bajo y Luis Santurde a la batería. La banda se presenta en este año al VIII Trofeo Rock Villa Madrid y llega hasta la final que se celebra en el Estadio de Fútbol "Roman Valero", ganando el primer premio después de una actuación majestuosa. El premio les da la oportunidad de grabar un LP compartido con los que obtuvieron el 2º y 3º premio, Esfinge y Furia Animal para la compañía Fonomusic. Sangre Azul grababa 4 canciones y los otros dos grupos 2 cada uno. La banda no queda contenta con el resultado del LP y graba un EP al que titulan Sangre Azul con las mismas cuatro canciones y para la misma compañía además de un videoclip. El EP viene con cuatro canciones: "Rey de la ciudad", "Chicas, Whisky y Rock & Roll", "Todo mi mundo eres tú" y "Rock & Roll es libertad". Como dato curioso Luis Santurde aparece como Luis Ortega.
Poco después José Castañosa abandona la banda y entra como cantante Tony. José Castañosa había registrado el nombre de Sangre Azul y no pone pegas para que lo usen. Con la entrada de Tony la banda habla con Javier Gálvez para que sea su manager y empiezan a actuar por todo Madrid. En 1987 consiguen un contrato con Hispavox y graban su primer álbum, Obsesión. La banda practica un estilo Hard Rock bastante cercano al de Whitesnake, este primer disco les da cierta fama por Madrid.
En 1988 publican su segundo álbum Cuerpo a cuerpo que sigue la línea de Obsesión pero con una mejor producción y un estilo algo más melódico. Poco después de que el álbum estuviera en la calle J.A. Martín deja la banda y toma su puesto Juanjo Melero, que militaba en un grupo que copiaba la música y la estética de Sangre Azul (Marshall Monroe). Este disco significa su triunfo en España y canciones como No eres Nadie se convierten en himnos que perduran con el paso del tiempo y la banda es considerada como una de las mejores del territorio nacional e internacional.
En 1989 publican su álbum El silencio de la noche, el cual supera al anterior en producción y nos muestra a unos Sangre Azul más maduros, de este álbum destaca Abre fuego o Piel de Serpiente. Después de esto giran por todo España y en 1991 tocan por Francia, Estados Unidos yMéxico. También en 1991 incluyen la que sería su última canción editada en una recopilación de la Emisión Pirata. La canción se llama Sangre y Barro, (es la canción que mejor producción tiene del disco) la letra de esta canción fue escrita por Pablo Orduñez (El Pirata) a la que los Sangre Azul pusieron música y cuenta la historia de un viaje al Monsters of Rock en el que sufrieron un accidente de autobus.
Después de esto surgen problemas de la banda con la compañía al presentarles trabajos que no interesaban a esta y Juanjo Melero toma la determinación de dejar el grupo e irse a EE UU. Poco después el grupo se separa ante el poco apoyo de la compañía y el periodo de decadencia en el que entra el heavy en 1992. [1]
Carlos Raya empezó una nueva etapa como músico de estudio tocando entre otros con Antonio Vega y Quique González, produciéndoles y tocando en sus giras. Juanjo Melero toca con grupos como Santa Fe, Tam Tam Go, Def con Dos o La Cabra Mecánica. Después se convierte en músico de estudio y monta un proyecto llamado Universo Violento.
En el año 2000 se remasterizan y reeditan sus tres álbumes Obsesión, Cuerpo a Cuerpo y El silencio de la Noche. En Obsesión se incluyen como temas extra las versiones de El rey de la ciudad y Todo mi mundo eres tú, que aparecían en el EP Sangre Azul, y en las caras B de sucesivos singles, cantadas por Tony.
En 2003 Carlos Raya entra en M-Clan para hacer una gira, después de Carlos Tarque echara del grupo a Santi Campillo.
En el año 2005 José Castañosa, dueño de los derechos del nombre de la banda, la reúne otra vez. Los nuevos Sangre Azul quedan con la siguiente formación permaneciendo él como único miembro original: José Castañosa "Lili" (voz/solista), Miguel Ángel López (guitarra), Óscar Hernández "Napi" (guitarra), Boris Kurtev (teclista), Antonio Tejada (bajo), Bernardo Ballester (batería) y Esther Lago (voz y coros). La banda sale de gira y actúa en Caracol el 3 de noviembre de 2005. De esta gira, promete José, saldrá el primer disco en directo de la banda. Finalmente la banda hace unos cuantos bolos en los que no recibe buenas críticas. José se apoya en Esther Lago que hace los coros y las partes más difíciles de las canciones, llegando a cantar entero el tema "Obsesión". En los únicos momentos en que pareció despegar un poco fue cuando interpretan los temas del EP Sangre Azul. La afluencia a los conciertos es pequeña, las críticas demoledoras y, finalmente, terminan dejando el proyecto.
En 2006 Carlos Raya se une a Fito y Fitipaldis para grabar su disco Por la boca vive el pez encargándose de la mayoría de los solos y ayudando en la grabación y producción. Además participa en la gira que le lleva a tocar por toda España junto al músico bilbaíno.
En 2008 Juanjo Melero publica Filosofía doméstica un disco en solitario en el que anuncia su vuelta al rock más tradicional y cuenta como invitado para una canción con nada más y nada menos que Carlos Raya. Es una canción donde recuerdan sus tiempos de juventud. El 26 de abril de ese mismo año presenta el disco en Madrid en la Sala Heineken. En el concierto cuenta con muchos invitados como Miguel Angel Collado, Sherpa y Hermes (Barón Rojo) y con el resto de Sangre Azul (Carlos, Tony, Julio y Luis) que suben al escenario a tocar "Cuerpo a Cuerpo" y "Tal como soy", haciendo pasar a la historia ese día como el día en que Sangre Azul se juntaron para tocar 2 temas.
En el mismo año, 2008, Tony y Juanjo Melero se unen a un proyecto, junto a varios músicos más. El proyecto es una ópera rock, titulada Edgar Allan Poe, legado de una tragedia, que trata sobre la vida de Edgar Allan Poe. Tony da la voz a la muerte y Juanjo se ocupa de algunas partes a la guitarra. El disco se publica el 16 de diciembre de 2008. Además de Tony y Juanjo participan gente como Leo Jiménez, Jero Ramiro, Niko del Hierro, Ángel Arias, Óscar Sancho y otros más, que forman un total de 21 cantantes y alrededor de 50 músicos. Esto significa la vuelta discográfica de Tony después de 17 años.En febrero de 2010 sale al mercado la primera colaboracion de Tony en el disco "Retratos Del + AKA" De TeTo, en el que participa en el tema "Mil noches y pico" tema homenaje a Sangre azul en que Tony colabora con http://www.tetorock.com.Por fin en el año 2011 el día 14 de Febrero, ve la luz el disco "Las fases de la luna" de Tony, que aparece bajo el nombre de Tony Sölo en que cuenta con multitud de invitados especiales entre ellos todos sus compañeros de Sangre Azul por separado, cada uno en una canción.
Corría el año 79 cuando cinco jóvenes amantes de Deep Purple, Pink Floyd y Uriah Heep decidieron, tras varios intentos frustrados, formar una banda con aspiraciones profesionales.
.Poco a poco fueron compartiendo sus inquietudes musicales, hasta conseguir una línea musical propia que significaba el punto más vanguardista y duro del flamante "Rock Andaluz", el movimiento cultural que, en aquellos momentos, movía a las masas de jóvenes, rebeldes contra las formas establecidas y fundamentalmente sedientos de libertad. . En 1980 consiguen grabar su primer álbum que, a la usanza de la época, llevaba el nombre del grupo "Medina Azahara". Este disco contenía un tema "Paseando por la Mezquita" que desde su Córdoba natal fue extendiéndose a todo el país hasta convertirse en un auténtico himno del sentir andaluz. . El éxito fue casi instantáneo y, de repente, el grupo de amigos se vio obligado a asumir una carrera profesional que sólo en un año les hizo dar dos vueltas al mapa y, al mismo tiempo, componer las canciones para un nuevo disco. . "La Esquina del Viento" vio la luz en el 81 siguiendo la línea de éxito del anterior, luego vino "Andalucía" en el 82, pero al mismo tiempo que "la movida madrileña" empezaba a dar sus primeros pasos, el "rock andaluz" se iba resintiendo del paso del tiempo y se agotaba comercialmente. El resultado fue un paréntesis discográfico en el que Medina se mantuvo activo gira tras gira.
. En 1986 el grupo decide autofinanciarse su 4º álbum hartos de esperar la oportunidad que nunca llegaba. "Caravana Española" marcó el momento más difícil en la historia de la banda, tocaba el turno de las fugas y dimisiones. Medina sobrevivió gracias a sus valores más preciados, los directos y las ganas de continuar vivos en contra de los obstáculos y de aquellos que les daban por "muertos y enterraos".
. Fue en Julio del 89 cuando un renovado Medina Azahara se pone en contacto con el manager Javier Gálvez y, por ende, con la discográfica Avispa. En ese momento, ingresa en el grupo un nuevo guitarra, Paco Ventura, cuya juventud y formación musical serían progresivamente claves para la evolución de la banda.
. En Septiembre 89 comienza la grabación del 5º álbum y 1º con Avispa "... en Al-hakim". También fue el primer disco en el que aparecía la mano de Carlos Martínez en la producción como punto de apoyo para la búsqueda de un nuevo sonido. El nombre de "en Al-hakim" era una especie de homenaje al local de ensayo donde se gestaron los temas que lo iban a componer, aunque tal "local" era realmente una elegante construcción árabe a las afueras de Córdoba. . Comenzó entonces una tarea tan ardua y difícil como la anterior al primer disco, la de volver a escena y convencer a los incrédulos de que aquel "muertos y enterraos" era sólo una frase que algún malintencionado habría pronunciado alguna vez. . "En Al-hakim" entró de puntillas en las listas de radio y ventas pero nunca retrocedió. Su paso firme daba ánimos y visos de esperanza a una historia en la que todos estaban dispuestos a dejarse la piel, y no sólo los miembros del grupo, además estaban sus familias, el personal de Avispa, la agencia de manager y, como no, aquel preciado e inolvidable puñado de amigos que, desde sus micrófonos y páginas impresas, discutían con sus colegas para defender que aquella no era una causa perdida. . La gira de "en Al-hakim" supuso un nuevo cambio en el grupo, Manuel Reyes, un experto batería cordobés que ya había debutado con Medina, como percusionista, el 6 de Enero del 90 en la Gala Iberpop de Logroño, se hacía definitivamente cargo de la batería. . No tardó en surgir la idea de grabar un disco en directo. Fue el 30 de Junio de ese mismo año durante un concierto ya mítico celebrado en Leganés (Madrid) y en el que Medina volvía a disfrutar las mieles del éxito y las multitudes. "En Directo" recogía la historia del grupo hasta esa fecha y marcaba un punto de inflexión en su carrera, a partir de ahí todo iba a ser distinto. . Tras un año marcado por el trabajo en la carretera llegaría el 7º álbum, "Sin Tiempo" que ya contó con la participación de un nuevo bajista, José Miguel Fernández. "Sin Tiempo" supuso un decisivo y decidido paso hacia el futuro. Medina encontraba un nuevo estilo dentro del rock nacional, se había desmarcado de sus raíces sinfónicas y comenzaba la "Era Medina" en la que los calificativos para definir su música eran cada vez más difíciles. . "Todo tiene su fin" y "Necesito respirar" fueron los dos primeros singles con los que "Sin Tiempo" alcanzó el oro y el platino con sólo tres meses de intervalo. Había llegado el éxito y las giras espectaculares, Medina Azahara era ya una máquina imparable perfectamente engrasada. . Llegaron nuevos discos "Dónde está la luz" (93), "Arabe" (95), las ediciones japonesas de "Legend in Andalucía", "Dónde está la luz" y "Arabe", la de "Sin Tiempo" en Argentina, "Arabe" en Egipto y un largo etcétera con el que la sombra internacional del grupo se alargaba sin parar. . En el 96 se grabaron varios conciertos registrando el material necesario para su 10º álbum "A toda esa gente", un doble CD recopilatorio de su "2ª historia" con algunos temas nuevos. . Musicalmente se estaba dando un progresivo acercamiento hacia los orígenes árabes y andalusís cuyo punto culminante fue "Tánger" (98), un disco grabado a caballo entre Tánger y Madrid en el que colaboraba la Orquesta marroquí de Taktuka Yeblía. . Entretanto, los discos de oro y platino por las ventas de los 5 últimos trabajos comenzaban a llenar paredes y, lo que era muy peligroso, se convertían en un hecho cotidiano para los medios especializados. . El 99 venía marcado por los 10 años de trabajo conjunto Medina-Avispa y, con ese motivo, se editó "Baladas" un homenaje de la discográfica a un artista que durante ese tiempo se había convertido en un grupo de buenos amigos. Al mismo tiempo, comenzaba la grabación del nuevo disco en el que se incorporaba, como músico de apoyo, Manuel Ibáñez en los teclados. . El año 2000 representó, entre un sin fin de cosas más, el XX Aniversario de Medina Azahara como grupo profesional, ".. veinte años caminando y todos gracias a ti", como dice la letra del primer corte de ese álbum. . "XX" presentó 14 temas nuevos, no se trataba de la típica recopilación para conmemorar un aniversario, Medina Azahara, fiel a sus principios, se desmarcaba de las normas establecidas y volvía a sorprender. . De nuevo a la carretera, de nuevo a hacer gala del grupo que abandona el aforo del concierto cuando se ha ido el último fan que quería un autógrafo, de nuevo a ser el grupo pendiente del más mínimo detalle antes de comenzar a tocar, aunque eso suponga largas horas de ensayo y pruebas, de nuevo a demostrar que todas las plazas son igualmente importantes para ellos, da igual el número de personas que quepan en el recinto o los habitantes de la localidad, de nuevo a demostrar algo tan simple como importante, profesionalidad. . La presentación en Madrid fue grabada en vídeo con todo lujo de medios técnicos. Fue uno de esos conciertos junto a 2.000 amigos que quedó registrado para el recuerdo. La grabación, realizada en la sala La Riviera, el día 2 de diciembre del 2000, salió a la venta el 10 de mayo del presente año después de un proceso de post-producción impresionante. . Durante el 2001, el grupo continúa con su gira mientras prepara la composición y grabación del que será su nuevo álbum. A finales de Mayo, Medina Azahara vuelve a entrar en los estudios M-20 de Madrid donde junto a su productor de siempre, Carlos Martínez, comienza la grabación de “Tierra de Libertad” tres meses de trabajo dan como fruto el que es, probablemente, el disco más elaborado en la historia del grupo. Doce nuevos temas más una versión y todas las inquietudes e ilusiones propias de un grupo de chavales recién llegados a esta historia. . A partir de ahí, como si no hubiese sido ya suficiente, se deciden a dar un nuevo paso, a romper otro récord, comienza una gira de presentaciones y firmas de discos que les llevan a 35 ciudades en las que se vuelven a mezclar con sus fans, el “tú a tú” que siempre han llevado a gala, los ídolos de carne y hueso que miles y miles de “chavales” y “no tan chavales” se dan el placer de conocer personalmente, como ellos mismos han dicho “los escenarios son demasiado altos” hay que estar en contacto con la gente. . Después de esta gran gira, y casi sin descansar, comienzan a preparar su nuevo trabajo "Versión Original". En el cual incluirán los temas que los Medina han hecho suyos, temas de "Triana", "Miguel Rios", "Los Modulos", "Realidad", "Flamenco" y "Los Salvajes", + 2 temas inéditos. . También lanzan a la venta, lo que es su primer video en formato DVD, en el cual se incluyen videoclips, varios temas en directo, making of y entrevistas. Todo este recopilatorio, se lanza al mercado el día 16 de Noviembre del 2002, teniendo una gran aceptación entre los fans y no tan fans de Medina Azahara. . Llegado el año 2003 publican un nuevo trabajo "Aixa", y en el colaboran Antonio Orozco y la Orquesta Sinfónica de Córdoba, también se incluye en el una versión de Scorpions, "Wind of change". El disco se publica el 1 de octubre e incluye el video clip de "Córdoba". Un homenaje a la ciudad que les acuna y que les homenajeara otorgándoles el premio de "Cordobeses del Año". El disco se mantiene cinco semanas en las listas de ventas y en el 2004, debido a la gran calidad de este, consiguen ganar 2 premios de la música, al mejor album de Rock, y a la mejor canción con Cordoba. . Sí, han hecho ya 16 discos, llevan 25 años en la carretera, han cosechado discos de oro, de platino, recorrido medio mundo, pero todo eso son sólo datos que testimonian su perseverancia y capacidad de evolución, datos que, por encima de todo, les hacen acreedores del reconocido respeto que, sin lugar a dudas, merecen. .Ahora llega el gran momento, es 2005 el año de su 25 Aniversario y, como siempre, vuelta al trabajo. Para primeros de Marzo se volverán a encerrar en Estudio para plasmar en un nuevo álbum las vivencias y sensaciones que se han venido acumulando durante estos meses de trabajo en los escenarios.
Al año siguiente, en 2006, la misma discográfica vuelve a sacar un recopilatorio de canciones, más dvd y contenido extra que incluye la canción "Niños" en inglés y cuatro canciones en grabación acústica.
Es llegado a este punto, en 2007, año en el que fueron teloneados por el afamado grupo manchego Ataräxia, finaliza el contrato entre el grupo y la discográfica. Los primeros son contratados ahora por Pias Spain. Con ésta, publicaron Se abre la puerta, un álbum homenaje al rock andaluzde la década de los 80, con siete versiones de canciones del grupo Triana, una de Alameda y tres de la primera época de los propios Medina Azahara. En este nuevo trabajo se produce el cambio en el bajo del grupo, saliendo José Miguel Fernández (actualmente en un grupo cordobés llamado "Hijos de Leyenda" y entrando Pepe Bao (ex de Barón Rojo, Triana, O'funk'illo).
En 2008 Avispa edita un cd + dvd llamado "...en escena" grabado en un concierto del grupo en el año 2004 en el festival Viñarock. Pepe Bao deja la banda y entra al bajo Charly Rivera.
En abril de 2009, el grupo saca otro disco nuevo, "Origen y Leyenda", cuyo título se lo da una canción hecha a modo de resumen de las canciones más importantes de su carrera discográfica al parecer de los miembros de la banda. El pack contiene un CD con 15 canciones y un DVD con un vídeo-clip de la cuarta canción del CD, "Te estoy amando locamente" (versión de la canción titulada del mismo modo que sacaron en su día Las Grecas, con la participación de la única superviviente de las dos hermanas que formaban dicho grupo) y otros contenidos.
Medina Azahara realiza una gira por el continente americano en el año 2010. Medina Azahara tiene una pequeña presentación en el programa de la Fox 'Sporsfutbol' para todos. Manuel Martínez en 2010 colaboró con el grupo Estirpe poniendo su voz en algunos trozos de la canción para Cordoba 2016 titulada De guitarra y flor, incluida en el álbum de Estirpe Querida Contradicción (inéditos, rarezas y versiones) en la que también colaboran otros músicos como Bueno Rodríguez y Julito Jiménez (Los Aslándticos).
En abril de 2011, el grupo edita "30 años y la historia continua", un nuevo trabajo que contiene un dvd con un concierto de 30 canciones, 2 cd's con el contenido de ese mismo concierto, y un nuevo disco con 8 temas inéditos. A finales de agosto de 2011, ofrecerá un gran concierto muy importante para la banda en Aracena. El 19 de mayo de 2012 concierto en la Plaza de la Muela (Cáceres).
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En 1978 cuatro amigos de Upsland Vasvy (Suecia) forman un grupo para entretenerse en las tardes lluviosas tocando versiones de Black Sabbath y Deep Purple. El grupo se llamaría Force. Los cuatro amigos eran Joakim Larson, que se encargaba de la voz y los teclados, el guitarrista John Norum, Peter Olsson (bajo) y el batería Tony Reno.
